Com o recém-lançado álbum “Übercode Œuvre”, o Panzerballett reafirma sua posição como uma das bandas mais ousadas e criativamente inquietas da cena jazz-metal mundial. Liderado pelo guitarrista e compositor Jan Zehrfeld, o grupo alemão investe em uma proposta de risco calculado: fundir virtuosismo extremo, experimentação rítmica e referências que vão de Ligeti a Meshuggah, de Frank Zappa a baladas de amor emolduradas por blast beats. Em sua essência, o disco é uma exploração deliberada de fronteiras musicais — tanto estilísticas quanto emocionais —, em busca do que Zehrfeld chama de “transcendência musical através de uma loucura controlada”.
Mais do que um novo capítulo na discografia da banda, “Übercode Œuvre” é uma tentativa de elevar ainda mais o nível de complexidade e expressividade que sempre definiu o Panzerballett. O retorno do baterista Sebastian Lanser, aliado a colaborações com nomes como Virgil Donati, Marco Minnemann e Anika Nilles, contribui para uma sonoridade multifacetada, onde hipercomplexidade e minimalismo coexistem em equilíbrio tenso e dinâmico. Com vocais femininos estreando no grupo e arranjos que passeiam entre o operístico, o metal extremo e o jazz contemporâneo, o álbum sintetiza — e simultaneamente reinventa — o espírito da banda após 25 anos de constante reinvenção.
Por Marcelo Vieira
Fotos: Dweezill / Divulgação
“Übercode Œuvre” chega cinco anos após seu último álbum de estúdio, “Planet Z”. Musical e tematicamente, o que motivou a banda neste novo trabalho? Existe um conceito ou ideia central que permeia o álbum?
“Übercode Œuvre” é música como um experimento de alto risco — um passo deliberado em território desconhecido. Mais do que nunca, o álbum trata de correr riscos artísticos: reelaborar um estudo moderno para piano de Ligeti, reimaginar uma faixa do Meshuggah ou até mesmo tentar uma canção de amor. Cada peça cruza uma espécie de fronteira — para novos estilos, emoções ou estruturas.
Um dos maiores desafios pessoais foi lidar com a música de artistas que me influenciaram profundamente, como Virgil Donati e Fredrik Thordendal. Revisitar o trabalho deles foi como pisar em solo sagrado — com respeito e a disposição de torná-lo meu.
No fim das contas, o álbum é uma série de explorações sonoras, impulsionadas por um desejo de crescer — não através do conforto, mas enfrentando o desconhecido.
É uma tentativa deliberada de elevar o nível mais uma vez. A ideia era ir além do que a banda já havia feito em termos de complexidade, intensidade e clareza de execução. Cada peça foi abordada como um quebra-cabeça de alto nível: musicalmente densa, ritmicamente exigente, mas ainda — esperançosamente! — divertida.
Considerando a evolução sonora do Panzerballett ao longo dos anos, como “Übercode Œuvre” se encaixa no catálogo da banda? Podemos esperar novas explorações sonoras ou uma reafirmação dos elementos que definem o estilo do Panzerballett?
As características definidoras do Panzerballett permanecem intactas — métricas ímpares complexas, interação de alta precisão, colisões estilísticas —, mas “Übercode Œuvre” refina e expande essa linguagem em novas direções. O retorno de Sebastian Lanser, cuja bateria ajudou a moldar o som da banda em cinco álbuns anteriores, traz de volta uma impressão digital rítmica distinta, familiar e essencial. Ao lado dele, as contribuições de Virgil Donati e Marco Minnemann estão mais profundamente integradas na dramaturgia das músicas do que antes, enquanto Anika Nilles adiciona uma voz fresca e contrastante à paleta percussiva. O resultado é uma gama emocional e dinâmica mais ampla: momentos de hipercomplexidade justapostos à clareza e espaçosidade. É uma continuação — e, ao mesmo tempo, uma redefinição.
O título “Übercode Œuvre” sugere algo abrangente ou talvez uma codificação superior da música da banda. Poderia nos dar uma pista sobre o significado por trás desse título e como ele se relaciona com o conteúdo do álbum?
“Übercode” é uma espécie de nome que dei à mentalidade e ao processo que tenho seguido desde sempre: ultrapassar limites, reinventar estruturas e fazer o impossível parecer… quase factível. É uma mistura de disciplina e obsessão, mas também de curiosidade e humor. Nesse sentido, é tanto um culminar quanto um novo começo — uma declaração de onde o Panzerballett está após 25 anos de experimentação sonora. E é a busca da transcendência musical através de uma loucura controlada. Esse é o código. O Übercode.
Existe alguma faixa em “Übercode Œuvre” que você considera especialmente representativa da nova direção ou energia do álbum? Se sim, o que a destaca?
“Bleed”, a faixa de abertura, realmente captura o espírito de todo o álbum. Por anos, não ousei abordá-la, porque parecia intocável. Mas, uma vez que encontrei uma maneira de brincar com a ilusão de mudanças de tempo, isso abriu uma dimensão totalmente nova — como dobrar o tempo sem quebrá-lo. E então vieram as citações travessas, surgindo quase por si mesmas — de “Mahna Mahna” a “Enter Sandman”. Essa mistura de seriedade e humor é muito parte do DNA do álbum.
A adição de uma seção de metais em “No One is Flying the Plane” do álbum “Planet Z” sugeriu uma abertura a uma maior exploração sonora. Existem outras texturas instrumentais ou elementos de gênero que vocês estão incorporando na música do Panzerballett no novo álbum?
Sim, quando lançamos “No One is Flying the Plane”, realmente introduzimos algo totalmente novo na paisagem sonora do Panzerballett. Com “Übercode Œuvre,” a evolução sonora continua — é, na verdade, o álbum com o menor número de aparições de saxofone até hoje.
Em vez disso, trouxemos de volta vocais femininos, que estiveram ausentes em nossos três últimos lançamentos — e desta vez, não apenas uma, mas duas vozes femininas. Essa é a primeira vez para nós. A mistura de canto operístico e gritos de metal, ambos entregues por Andromeda Anarchia, adiciona uma nova dimensão impressionante.
Há também uma presença mais forte de teclados, o que parece um retorno à minha visão original. Antes de fundar a banda com um saxofonista, eu estava realmente procurando um tecladista — eu simplesmente não consegui encontrar um naquela época!
E talvez o mais surpreendente: pela primeira vez, escrevi uma canção de amor. Nessa peça, o objetivo não era explorar o que tecnicamente ainda é possível — ou já impossível —, mas simplesmente expressar beleza, emoldurada em um cenário de jazz-metal. Essa ideia se tornou tão central que decidi incluir duas versões dela no álbum: a canção de amor original e uma segunda versão que evoluiu através da contribuição do baterista Aaron Thier para uma adaptação virtuosa e de alta energia — quase como um reflexo da mesma emoção através de uma lente diferente.
Você descreve a música do Panzerballett como “jazz-metal”. Poderia detalhar como você inicialmente imaginou essa fusão e quais elementos de ambos os gêneros você acha mais atraentes para combinar?
No final dos anos 1990, eu estava estudando guitarra jazz, mas havia crescido com uma forte paixão pelo metal. Em algum momento, comecei a me perguntar por que esses dois estilos — tão intensos e complexos à sua maneira — não estavam realmente conectados. O jazz tinha essa rica linguagem harmônica e liberdade para improvisar, enquanto o metal trazia energia bruta, ritmos precisos e um som poderoso. Mas cada um também tinha seus pontos fracos: o jazz muitas vezes carecia do peso e da energia que o metal tinha, e o metal realmente não explorava a harmonia ou o ritmo de uma forma mais aberta ou flexível.
Eu não queria apenas misturar os dois. Em vez disso, tentei vê-los como sistemas com suas próprias ferramentas — ritmos, harmonias, sons, até mesmo atitude — e ver onde eles poderiam realmente se conectar ou desafiar um ao outro. Essa maneira de pensar se tornou a base do que eu faço com o Panzerballett, e ainda molda como eu escrevo e arranjo música hoje.
O Panzerballett ganhou reconhecimento inicial na cena alemã de rock progressivo e depois assinou com a gravadora de jazz ACT. Como esses ambientes diferentes moldaram o desenvolvimento da banda e alcançaram públicos distintos?
A principal diferença para nós foi que a cena de prog rock, relativamente pequena, nos acolheu majoritariamente, enquanto o público de jazz, muito maior, que alcançamos através da ACT, se dividiu mais — entre fãs fervorosos e rejeição total. Mas essa polarização nos pareceu um desafio que aceitamos de bom grado. Se alguns odiaram, melhor ainda — aqueles que amaram, amariam ainda mais.
Ser “diferentes” nos deu uma liberdade inesperada. Ficamos livres para focar ainda mais nas coisas que nos diferenciavam e confiar que os ouvintes certos nos encontrariam — e encontraram.
Depois que deixamos a ACT, a polarização começou a acontecer menos depois que tocávamos e mais antes mesmo de sermos contratados. O que basicamente significava tocar para públicos menores — mas os certos. E esse público continuou crescendo, de forma constante e orgânica. O único show verdadeiramente polarizador após o período da ACT foi o Wacken Open Air de 2016, onde uma parte significativa do público metaleiro pareceu genuinamente confusa. Mas, de certa forma, isso apenas confirmou que ainda estávamos ultrapassando limites nos lugares certos.
As influências da banda variam do jazz e funk clássicos ao heavy metal progressivo como Meshuggah. Como vocês navegam por essas influências aparentemente díspares dentro de uma única composição, como exemplificado pela faixa com trocadilho “Iron Maiden Voyage”?
O primeiro ingrediente foi simplesmente meu amor por todos esses estilos diferentes — e o desejo de uni-los. Dessa forma, eu poderia apreciá-los não apenas no mesmo show, mas até mesmo dentro de uma única peça.
O segundo ingrediente foi a forma como eu compunha: usando um computador para escrever, arranjar e até mesmo pré-produzir tudo. Naquela época, os instrumentos MIDI eram bastante limitados, então, quando as partes de jazz e metal eram reproduzidas com os mesmos sons básicos, elas não pareciam tão distantes quanto se poderia imaginar.
Isso me levou a focar em outros parâmetros — como a experimentação rítmica — como uma forma de conectar esses estilos contrastantes.
A faixa “Iron Maiden Voyage”, por exemplo, mistura elementos inspirados em Tribal Tech, Wayne Krantz e Meshuggah. E sim, o trocadilho no título foi totalmente intencional.
“Hart Genossen – from Abba to Zappa” (2009) demonstra a abordagem única do Panzerballett para arranjar canções populares. Qual é o seu processo criativo para selecionar e reinterpretar materiais tão diversos, e o que vocês buscam alcançar com essas versões cover?
Existem alguns critérios que sigo ao escolher uma peça para arranjar. No início, tinha que ser uma das canções mais icônicas do mundo do rock ou do jazz. Com o tempo, a paleta se expandiu para incluir metal, pop e trilhas sonoras de filmes — e eventualmente até peças clássicas se infiltraram. O fio condutor: os gêneros devem ser o mais contrastantes possível.
Minha abordagem é aplicar as mesmas ferramentas que uso para compor música original — ferramentas que refinei e desenvolvi gradualmente ao longo dos anos — a essas versões cover. Dessa forma, não importa o quão diferente seja o material de origem, tudo se funde em uma linguagem musical unificada.
O objetivo é fazer com que os arranjos soem tão orgânicos que poderiam ter sido escritos naquele novo estilo desde o início. E é aí que a diversão entra: as pessoas conhecem os originais, mas ouvi-los reimaginados como se tivessem nascido em um universo musical completamente diferente cria um tipo de surpresa que é ao mesmo tempo divertida e instigante.
A música de vocês como um todo demonstra o virtuosismo e a habilidade técnica dos membros do Panzerballett, incluindo estruturas polirrítmicas complexas. Quão crucial é a proficiência técnica para transmitir as ideias musicais da banda, e como é o processo colaborativo no desenvolvimento de arranjos tão intrincados?
Quanto mais complexa e detalhada a música se torna, mais proficiência técnica é necessária para representá-la com precisão. É como construir um prédio com pedrinhas — simplesmente leva mais etapas. Ou como tentar exibir uma imagem Full HD em um monitor de baixa resolução: quanto mais fino o detalhe, mais precisão é necessária para fazer jus a ele.
A coerência desse tipo de música depende de cada detalhe ser audível e articulado claramente, com todas as partes se encaixando perfeitamente. Isso significa que todos os músicos precisam dominar seu ofício no mais alto nível técnico — pelo menos para as peças mais desafiadoras do repertório do Panzerballett. Algumas faixas inclinam-se mais para uma fusion “normal” e funky, e ali um músico sólido sem especialização extrema pode encontrar seu lugar. Mas para as coisas pesadas, não há como fugir: exige muita técnica.
Como os membros da banda vivem em países diferentes, raramente temos a chance de ensaiar juntos. Geralmente, nos encontramos por alguns dias de trabalho duro pouco antes de uma turnê. Cada um precisa se preparar individualmente e estar totalmente pronto. Tocar a música juntos é como montar uma estrutura complexa: cada um de nós construiu uma de cinco partes altamente intrincadas, e no ensaio apenas juntamos essas partes — encaixamos, aparafusamos e travamos no lugar. Esse é todo o foco do ensaio: montagem de precisão.
As apresentações ao vivo do Panzerballett contrastam com o som mais sutil dos álbuns. Quão importante é o show ao vivo como uma válvula de escape para a personalidade da banda, e como vocês abordam a dinâmica entre o estúdio e o palco?
Quando se trata do tópico “estúdio versus ao vivo”, posso dizer o seguinte em geral: tudo o que impulsionou minha motivação por trás do Panzerballett — desde o início — foi tocar ao vivo. Quanto mais shows, melhor. Nada supera a experiência. Para mim, cada gravação que fazemos serve, em última análise, a um propósito principal: apoiar a performance ao vivo.
Vejo as gravações como:
- Uma ferramenta promocional — para que as pessoas descubram a música e, idealmente, se sintam inspiradas a comparecer a um show;
- Um instantâneo e resumo de uma fase criativa;
- Uma versão tecnicamente e musicalmente ideal da música — um ponto de referência para situações ao vivo, onde erros inevitavelmente acontecerão.
Quanto às diferenças entre estúdio e ao vivo: ao longo dos anos, elas diminuíram. Desde que começamos a usar monitoramento intra-auricular, click tracks e, às vezes, até elementos de playback, nossa configuração ao vivo se tornou mais parecida com o ambiente de estúdio.
O que torna o show mais “parecido com estúdio” para os artistas:
- Fones de ouvido em vez de monitores de palco;
- Tocar com click track;
- Durações de músicas fixas devido a arranjos baseados em sequenciadores.
Mas a única coisa que ainda torna a apresentação ao vivo incomparável é o público – o feedback direto, a troca de energia. Isso é o que me impulsiona e continua sendo uma das principais razões pelas quais faço tudo isso.
E não sou o único que pensa assim: a maioria dos frequentadores de shows com quem converso me diz que gosta muito mais do Panzerballett ao vivo do que gravado. Eu sinto o mesmo. Esta é — e sempre foi — uma banda de palco.
Com o lançamento de “Übercode Œuvre”, quais são as expectativas do Panzerballett para este novo capítulo, e como vocês planejam apresentar o novo material ao vivo?
Com “Übercode Œuvre”, estamos entrando em um novo capítulo que parece mais aberto do que nunca. O álbum ultrapassou muitas fronteiras estilisticamente, então estamos ansiosos para ver como isso ressoa com o público internacional. Definitivamente, nosso objetivo é expandir nossa presença fora da Alemanha — através de festivais, colaborações e maior divulgação na mídia.
Em outro nível, também estamos vendo mais interesse de músicos e educadores no que estamos fazendo — especialmente quando se trata de ritmo, arranjo e fusão de estilos. Portanto, parte deste próximo capítulo também pode envolver compartilhar nossa abordagem de uma forma mais educacional: através de workshops, partituras ou até mesmo masterclasses.
Quanto ao show ao vivo: o plano é levar este material ao palco de uma forma que corresponda à intensidade e profundidade das gravações — mas com a energia, interação e o caos ocasional que apenas um show do Panzerballett pode oferecer.
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